Nos visitan

El viernes pasado visitaron el museo chicos del Instituto Vocacional de Arte Manuel de Labardén. Past friday the kids of Instituto Vocacional de Arte Manuel de Labardén came to visit the museum.

Premios Konex

La Fundación Konex ha publicado recientemente un imponente libro recopilando la historia de los premios a lo largo de sus sucesivas entregas. En 1982 recibí el Premio Konex de Platino a las artes visuales: En el 2002 se me fue entregado el Diploma al Mérito de Escultura, por la producción del quinquenio 1992-1996. Para más información, entrar aquí. The Konex Foundation has recently published an impressive book with the history of the Konex prizes throughout its numerous editions. In 1982 I recieved the Platinum Konex Prize for visual arts. In 2002 I recieved the Merit Dimploma, for the production of sculptures during 1992-1996.

Noche de los Museos

Al principio tímidamente, luego con más fuerza, el museo recibió un caudal de visitantes muy intenso. En la Noche de los Museos, hemos recibido a los espectadores con visitas guiadas y proyección de videos.

Planeta AGUA!!

El día seis de octubre se realizó en el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires un evento con motivo de la resignificación de la Tierra por Planeta Agua. En el mismo evento se realizó un acto homenaje a mi trayectoria.

Acto en el Planetario SEIS DE OCTUBRE

HOMENAJE A KOSICE en el Planetario SE REALIZARÁ UN ACTO HOMENAJE AL ARTISTA GYULA KOSICE- PRECURSOR DE LA UTILIZACIÓN DEL AGUA EN EL ARTE-CON MOTIVO DE LA RESIGNIFICACIÓN DE LA TIERRA POR PLANETA AGUA. EL EVENTO QUE TENDRÁ LUGAR EN PALERMO ESTÁ ORGANIZADO POR LA DIRECCIÓN DEL PLANETARIO GALILEO GALILEI Y EL GOBIERNO DE LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES.

Fecha: lunes 6 de octubre a las 18:00hs El Planetario Galileo Galilei: Av. Sarmiento y Belisario Roldán (Palermo) Tel: 4771-9393 / 4771-6629 PROGRAMA: Reinstalación de dos obras de Kosice: Gota de Agua Móvil y Ciudad Hidroespacial. Lectura del poema Cuerpo de agua. Proyecciones de videos. Entrega del diploma al maestro Kosice.

Sobre Gyula Kosice Kosice, fundador de Arte Madí, es ante todo un poeta que se anima a rebasar, sin demasiadas vacilaciones, el marco de las convenciones consagradas por la academia e inclusiva por las vanguardias, y este empeño lo explicitó (y lo practicó) de manera temprana a comienzos de los 40, en tiempos en que la academia y las vanguardias gozaban de buena salud y proponían límites y programas simultáneamente constrictivos. En una y otra dirección sus propuestas y su escritura infractoria se ubicaron provocativamente “en otro lugar”, asombrosamente excéntrico y fundacional, a la hora de reconocerle raíces, precedencias y deudas teóricas más o menos probables y exigibles. No es arbitraria, en consecuencia, su voluntad de inscribirse en un territorio de exploraciones múltiples, que incluyeron la escultura, la pintura, la poesía, la teorización estética, la inventiva filológica, el urbanismo, y, dentro de este mismo campo, la utopía (por lo menos en términos presentes) de la Ciudad Hidroespcial, como suma de un emprendimiento de profundas raíces humanísticas, sustentado a la vez por las posibilidades complementarias de la tecnología, el arte y las ciencias, visitadas ya por Kosice en los tiempos de sus tempranas investigaciones con lo lumínico, lo cinético y la presencia esencial del agua. Gyula Kosice: Nació en 1924. Escultor, plástico, teórico y poeta argentino, es uno de los precursores del arte de vanguardia hidrocinético y lumínico. Estudió dibujo y modelado en Academias Libres. Cofundador de la revista Arturo, en 1944. En ese año también crea Röyi (primera escultura articulada y móvil). Y en 1945 fue cofundador de Arte Concreto y publica Invención (esculturas móviles, teoría y poemas). En 1946 funda el Movimiento de Arte Madí: se reconocerá por Arte Madí la organización de elementos propios de cada arte en su continuo. En ello está contenida la presencia, a ordenación dinámica móvil, el desarrollo del tema propio, la ludicidad y pluralidad como valores absolutos, quedando por lo tanto abolida toda injerencia de los fenómenos de expresión, representación y significación. Funda la revista Arte Madí Universal, de la que se realizaron ocho números. También en 1946 crea las primeras estructuras lumínicas con gas neón, utilizado por primera vez en el plano mundial. En 1948 expone en Arte Madí en el Salón des Réalités Nouvelles; y un año más tarde crea de la escultura hidráulica utiliza el agua como elemento esencial de sus obras siendo pionero mundial en la utilización del agua. Realizó la exposición Retrospectiva 100 obras de Kosice, un precursor en el Instituto Di Tella (1968) y la exposición RetrospectivaArturo ("El hombre no ha de terminar en la Tierra"). Realizó esculturas monumentales, recorridos hidroespaciales, hidromurales. etc. Sus obras figuran en Museos y colecciones privadas de Argentina, América Latina, Estados Unidos, Europa y Asia. Intervino en más de 40 exposiciones individuales y más de 600 muestras colectivas, entre las que se destacan las muestras “Retrospectiva, obras 1944-1990” en el Museo Nacional de Bellas Artes y “Anticipaciones”, en el Centro Cultural Recoleta (1999). Participa en 2004 de la muestra “Inverted Utopías” en el Museo de Bellas Artes de Houston, EEUU.; y en 2005 es convocado para exponer en la 3ra. Bienal de Valencia, España, y en la muestra “Big Bang” en el Centro de Arte Moderno Georges Pompidou de París. en el Museo Nacional de Bellas Artes (1991) Buenos Aires. Publicó más de 15 libros de ensayo y poesía. Realizó 30 exposiciones personales y más de 600 exposiciones colectivas. Fue distinguido "Caballero de las Artes y las Letras" por el gobierno de Francia, y nombrado Ciudadano ilustre de la Ciudad de Buenos Aires (1997). Padre de la Ciudad Hidroespacial ya preconizada en la revista.

En Galería Objeto a

La Nación Revista Nº 2045 14 de Septiembre de 2008 KOSICE, DIPLOMADO Gyula Kosice fue homenajeado en la muestra Estados del agua, que reúne trece instalaciones. Foto junto a Graciela Taquini, curadora.

Zaragoza pt.II

PERFIL

EL "CABALLERO DE LAS ARTES Y LAS LETRAS"

Llegó al mundo el 26 de abril de 1924 bajo el apellido Falk, pero Gyula decidió adoptar el nombre del pueblo húngaro donde nació. Estudió dibujo y modelado en Academias Libres. Y fue, entre otras cosas, co­fundador de la revista Arturo, fundador del Movimiento de Arte Madi, y autor del Manifiesto Madí. Además, publicó más de 15 libros de ensayo y poesía, realizó 30 exposiciones personales y más de 600 colectivas. Fue distinguido "Caballero de las Artes y las Letras" por el gobierno de Francia, y nombrado Ciudadano ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Y sus obras figuran en museos y colecciones privadas de Argentina, América Latina, Estados Unidos, Europa y Asia.

Agua en Zaragoza

Exposición del Agua. Zaragoza - 2008. Se publicó el siguiente texto para el Stand de Argentina.

I GYULA KOSICE PLASTICO, ESCRITOR, TEORICO y POETA ARGENTINO DE 84 AÑOS I

Un vanguardista del arte cinético y lumínico

• CONSIDERADO UN VISIONARIO DE LAPLASTICA CONTEMPORANEA, EL AGUA ES SU MAYOR INSPIRACION. SU OBRA SERA EXHIBIDA EN EL STAND DE ARGENTINA EN EXPO ZARAGOZA 2008

Participé de infinidad de exposiciones, reco­rrí el mundo gracias a mi trabajo, y conocí a personalidades de todo tipo, como Jean Paul Sastre, Ray Bradbury, Le Corbusier, Jorge Luis Borges y Umberto Eco. Pero cosas como éstas me siguen con­moviendo". El dueño de la frase es Gyula Kosice, plástico, escri­tor, teórico y poeta argentino de 84 años, considerado uho de los precursores del arte de vanguardia cinético y lumínico. Y el tema que lo moviliza es haber sido convocado por el Gobierno Nacional de su país para que una obra suya sea exhibida en el stand de Argentina en Expo Zaragoza 2008. "Un día vinieron a tni taller tres personas de Cancillería a pedirme una gota que hace ocho meses fue exhibida en una exposición en Madrid, y que volvió con la parte espejada rota. Así que tuve que arre­glarla para esta ocasión", cuenta.

Kosice, húngaro de nacimiento, también realiza trabajos so­bre acero inoxidable y madera. Pero el agua es su inspiración. La explicación tiene que ver con la manera en que llegó a la Argentina, cuando tenía apenas cuatro años. "Viajé 28 días en barco, y lo único que veía eran las estrellas y el mar. Así que fui influenciado por esa travesía", asegura. Y agrega: "Creo que la gente también siente una especie de empatía cuando ve una

obra de este tipo. Será porque el 76 por ciento del cuerpo hu­mano es agua".

En su "Taller-exposiciórí", como a él le gusta Ilamarlo, se pueden observar, entre otras :cosas, fotos delas primeras pinturas Madí (casi todas de la década del '40 y '50), Y varias gotas, además de la que fue elegida para la Expo Zaragoza. "Están hechas con plexiglás, que es un material que reemplaza al acrílico. Y la clave de todo es la matriz, que es de yeso piedra y lo más difícil de hacer. El resto es sencillo: se la pone en un horno y después se trabaja sobre caliente para ir haciendo los retoques".

Francis Ponge: poeta honoris causa de las cosas

Francis Ponge, el conocido rector honorario de las cosas ha ejercido con la literatura la impensada dictadura, un continuado e implacable dominio de las cosas.
La poesía de Ponge no admite deformaciones ni adiciones subjetivas o sentimentales. Ser una mirada antes que una sensibilidad. Donde los objetos son a la vez una solución y una lección. Solución en el sentido de que el mundo de las cosas suprime toda inquietud.
Por ello el poema debe ser accesible a todos, tan reconocible como el objeto mismo. Una belleza hecha de exactitud y objetividad es una forma de la justicia. He aquí la lección y su moral inseparable. Desde luego, el desafío de las cosas hacia el lenguaje presupone una puja permanente, pero, cualesquiera sean las intenciones, la obra vale lo que vale su lenguaje.
A Ponge no le interesa una ocasional posesión del objeto. Busca antes que nada una concentración de lo finito en lo infinito. Un infinito que no atenta con su desmesura o su turbulencia.

Vantongerloo

Participó en la Revista Arte Madí Universal. Cuando lo conocí personalmente fue como una especie de peregrinaje a las fuentes.
Para 1963, cuando vivía en París, solía recibir su visita.

Andre Malraux

Mi primer encuentro personal con André Malraux tuvo lugar a fines de 1963, para presentarle mis saludos oficiales como comisario de arte de la exposición Arte Argentino Actual, que se realizó en el Museo Nacional de Arte Moderno de París entre diciembre de 1963 y enero de 1964.
Mi segundo encuentro con el autor de El museo imaginario se verificó en oportunidad de la inauguración de esa muestra, pocos días después, y puedo asegurar que la suya no fue una visita protocolar y motorizada. Malraux se detenía frente a cada obra y ejercía su autoridad crítica a través de los juicios que no siempre coincidían con los míos. Su balance, sin embargo, nos resultó plenamente favorable: lo que había visto le permitía afirmar que el meridiano cultural de Latinoamérica pasaba por Buenos Aires, y que esta exposición era un sugestivo reflejo de la vitalidad plástica en el Río de la Plata.
El tercer encuentro en su gabinete de trabajo fue intenso, como debía esperar. Yo había llegado con deseos de convocar en un solo haz al novelista, al estetólogo, al hombre de acción, al miembro creador de las Casas de la Cultura y al pensador de los grandes discursos de Atenas, Brasilia y Nubia, el mismo que había reflexionado con lucidez y paradojal escepticismo sobre las grandes peripecias del espíritu y de la condición humana, y no estaba dispuesto a irme con las manos vacías.
Hombre trágico, preñado de lucidez sin fe, Malraux trató de rebasar los límites de su propia grandeza, a través de una labor cultural (de una dramatización participativa de la cultura) que partía de admitir que la grandeza de algunos incluye misteriosamente el testimonio de todos. Si el sentido de la vida es encontrar bienestar y felicidad, él se ocupó de otras cosas que consideró fundamentales.
De la mano de Malraux he transitado por el desorden y las alegrías de dos o tres mundos: he chapoteado en el futuro y me he salpicado, fragmentariamente, con sus luminosas obsesiones. ¿Cómo podré desandar ahora el camino de regreso? Después de esta entrevista quemé mis naves; y no se quemaron, ardieron, en verdad, como gotas de alegría y de lúcido esclarecimiento.

Jean Paul Sartre: el hombre que hizo retroceder al miedo

París, 7 de noviembre de 1980. Otoño. Monocorde opacidad. La mañana se desencadenaba en las calles y las hojas anónimas, todavía vibrátiles, reclamaban otro suelo, quizás otra suspensión. Tenía concretada una entrevista con un profesor de Filosofía que la lupa monstruosa de la gloria deformaba a su antojo.

Escalé el cuarto piso de su casa situada en la rue Bonaparte. De pronto, en el palier, un gran armario cerrado me salió al paso. Jean-Paul Sartre fue a mi encuentro, me saludaó cordialmente y me introdujo en una habitación cuya ventana daba sobre la iglesia Saint Germain des Près. Su voz era grave, profunda, de neta articulación. De baja estatura, miope sin remisión, todo él envuelto en un aire de comunicativa y alerta generosidad.

Comprobé que los cincuenta y cuatro años de Sartre representan un verdadero torrente de influencias y una honestidad literaria sin precedentes. Jean-Paul Sartre en lo cotidiano impresionaba por su completa sensación de plenitud sin atropellos, como nuestra primera y larga conversación. Cuando desciendo las escaleras me invadió una fiera aprensión de estar conmigo, para escribir sobre el ser y el estar de un hombre en el que cada pensamiento-acto es una luminosa respuesta.

Jean-Paul Sartre hace retroceder el miedo, como Camus y Malraux, cuando afirma que no hay un determinismo salvador, y que el destino del ser humano es formularse permanentemente. Es su propio legislador y debe elegir sin intermediarios. No elegir es otra forma de elección.

Es el autor comprometido con su tiempo y lo avala su condición de magister de la filosofía existencialista.

Exposición en Zaragoza

La Exposición Internacional Zaragoza 2008, Agua y Desarrollo Sostenible, se inaugurará el próximo 14 de Junio.
La obra Gota de Agua Móvil Suspendida, de este año, será la imagen del pabellón argentino. Estará presente en Zaragoza y será utilizada como logotipo para representar a la Argentina.

Más info aquí.



The International Exposition at Zaragoza 2008, Water and Sustainable Development, will be inaugurated June 14th.
The work Gota de Agua Móvil Suspendida [Suspended Mobile Water Drop], made this year, will be the icon that will represent Argentina's Pavilion. The work will be present in Zaragoza.

More Info here.

Max Bill

Fue en Basilea, impresionado por la fastuosa Feria Industrial de 1958, cuando decidí salir rumbo a Zürich en el tren local; fundido en una tibia y plácida duermevela, me condujo insensiblemente a través del último día del invierno suizo. Iba a visitar a Max Bill, con quien había mantenido correspondencia hacia unos años cuando participó en la revista Arte Madí Universal.

Como había supuesto, Bill fue a buscarme a la estación. El diálogo se planteó en torno al diseño industrial, y no pude resistir la tentación de hablarle de las resistencias que oponen algunos sectores a la penetración de formas nuevas, ya sea de objetos de uso funcional, como en aquellos que cumplen una finalidad puramente estética. Bill me respondió que es necesario ponerse en guardia contra lo que llama “tendencias generales”. En toda obra concreta hay una expresión propia del espíritu humano, destinada exclusivamente a ser aprehendida por él.


It was in Basel, impressed by the splendid Industrial Fair of 1958, when I decided to head Zürich to meet Max Bill, with whom I maintained correspondence a few years when he participated in the Universal Madí Art Magazine.

When I arrived, Bill was looking for me at the station. The dialogue was quickly set around industrial design, and I couldn't resist the temptation of speaking about the resistance of some sectors to accept the penetration of new forms, whether for the use of functional objects or with a purely aesthetic purpose. Bill replied that is necessary to guard against what he calls "general trends." In any work there is a concrete expression of the human spirit itself, intended only to be apprehended by him.

Presentación en arteBA

"Grandes Maestros", nota aparecida en el especial de arteBA del ADNcultura del pasado sábado.

Compartiré una mesa con Iommi y Testa, como parte del homenaje que nos brinda la Fundación de arteBA y el Banco Galicia.

Será el viernes 30 de mayo a las 15hs en un recinto preparado para tal efecto. Estará presente, como inaugural de este evento, la obra Cilindro Lumínico y Esfera colgante, de 1989.


"Grandes Maestros", note appeared in the arteBA special of ADNcultura, past saturday.

I will be sharing a table to discuss with the public with Iommi and Testa, as a part of the tribute organized by arteBa Fundation and Galicia Bank.

It will be on Friday, May 30th at 15hs. The work Cilindro Lumínico y Esfera colgante will welcome the public as an opening to this event.

Victoria, en Seúl

En 1988, el Comité Organizador de los XXIV Juegos Olímpicos de Seúl de ese año, me encargó un monumento. La obra fue concebida en mi taller de la calle Humahuaca, naciendo –como era habitual en mí– como una pequeña maqueta. Luego se hicieron los diseños, los cálculos estructurales y finalmente todo ello fue enviado a Seúl. Allí comenzaron de inmediato los preparativos para la concreción de la obra y me invitaron a viajar para intervenir personalmente en su construcción y erección.

Para la construcción de la obra, me tocó en suerte una factoría situada en la localidad de Han-San, que estaba a casi dos horas de viaje de mi residencia, con suerte y si el tránsito congestionado lo permitía. Me otorgaron un intérprete en español-coreano, una asistente, la cooperación infatigable de seis operarios y toda la ayuda necesaria para la realización de la escultura.

Victoria –así se llamó la escultura– marca dentro de mi obra escultórica el comienzo de una nueva etapa: la de la indagación en torno a las superficies torsionadas. Comenzaba mi investigación a partir de una superficie laminar recortada según determinadas formas, en general dinámicas. Luego iba doblando dicha silueta plana hasta transformarla en una entidad articulada que albergaba en sí un espacio. Las láminas así torsionadas adquirían la conformación de una superficie de doble curvatura que recordaba a menudo la génesis de una cinta de Moebius, pero sin caer en el cliché de dicha figura.

Midiendo 9 metros de alto por 6 y medio de profundidad, fue emplazada en el predio del Estadio Olímpico de Seúl, en el marco del Simposio Internacional de Escultura que se organizó paralelamente a los Juegos y recibió el Premio Apreciación. En el basamento de la misma reposaba una gota plana de vidrio con agua en su interior, como una suerte de sereno y callado recordatorio de mi credo hídrico.

In 1988, the Organising Committee of the XXIV Olympics in Seoul, asked me to do a moumental work.

I immediately began preparations for the realization of the work, as they invited me to travel there to intervene personally in its construction and erection.

Victoria -so was the name I gave to it- marks in my sculptural work the beginning of a new stage: the inquiry of surrounding twisted and spined surfaces. I began with a laminar surface trimmed in certain dynamics forms. Afterwards, I twisted that flat figure until it articulated into an entity that housed a space in it. The twisted surfaces acquired the formation of a double-curvature that often recalled the genesis of a Moebius strip, but without falling into the cliché of that image.

Measuring 9 meters high and 6 meters and a half deep, was located on the campus of the Seoul Olympic Stadium, in the ocassion of the International Sculpture Symposium which was held alongside the Games. It received the Appreciation Award. In the work's base, a flat glass drop with water inside rested as a sort of serene and quiet reminder of my water creed.

Hidromural Móvil - Iguazú portátil

En 1965 los dueños de la Galería Embassy me propusieron la realización de un enorme hidromural, que bauticé Hidromural móvil, Iguazú portátil.

Esta obra me brindaba, por el ámbito en el cual se iba a instalar y por sus enormes dimensiones, la posibilidad de desarrollar un verdadero paisaje hidrocinético integral en un lugar de recorrido público.

La obra se desplegaba en un espacio de quíntuple altura que abarcaba los subsuelos, la planta baja y los entrepisos de la galería, pudiendo percibirse visualmente como un continuum espacial que unía todos esos niveles.

El agua, la luz, el color, el sonido y el movimiento, integrándose en una arquitectura formal, estaban a su vez ligadas a discontinuidades en el espacio-tiempo, debido a factores de indeterminación que se habían introducido en la secuencia. De este modo se daban imprevistas y cambiantes posibilidades, tanto en la obra como en su relación con la realidad circundante y los espectadores. Ese mismo año había escrito un poema, en el cual decía:

las recaídas del agua son continuas
a veces amplifica sus futuros reflejosç
y se confunde en excitante torbellino visual
a una increíble movilidad
que nunca deja las huellas secas
su semblante es potable como su facultad de adaptación
a cualquier hueco
el agua no puede vivir sino es agrupada en signos de vida
el agua más que la prolongación del agua
es lo que piensa ser.

La obra quedó concluida en 1966 y estuvo años emplazada en ese lugar hasta que una decisión comercial y arbitraria de los mismos dueños decidió su retiro.

Antes de ello Antonio Berni había escrito:

Kosice, con su gran hidromural cinético y sonoro de la galería Embassy Center ha llenado un vacío. Pocos artistas tienen antecedentes y méritos como los de Kosice para brindarnos una colaboración de alto nivel. Con esta obra se le ha dado la oportunidad (oportunidad que por otro lado le han retaceado) de mostrar y hacer pública esta verdad. Kosice es uno de los grandes artistas mundialmente importantes en el arte contemporáneo.

In 1965 the owners of the Embassy Gallery ordered me a huge hydrowall, wich I name Mobile Hydrowall, portable Iguazu.

The area where it was going to be installed and its huge dimensions gave me the possibility of developing a truly comprehensive hydriokinetic landscape in a public place.

The work was deployed in an area of five floors, and from the ground floor of the gallery one could perceive the entire work as a space continuum linking all those levels.

Water, light, colour, sound and movement, joining in a formal architecture, were, in turn, linked to discontinuities in space-time, due to undetermined factors that had been introduced in the sequence. Thus there were unforeseen and changing possibilities, both in the work and in its relationship with the surrounding reality and spectators.

The work was completed in 1966 and stood there years until a commercial and arbitrary decision of the same owners to retire it.

Before that Antonio Berni had written:

Kosice, with its great kinetic hydrowall with sound at the Embassy Gallery, has filled a vacuum. Few artists have a history and merits as those of Kosice to provide this level of collaboration. With this work he has been given the opportunity (opportunity that, on the other hand, it's been until now negated) to demonstrate and make public this truth. Kosice is one of the great artists globally important in contemporary art.

Jersualén

Jerusalén detenta orgullosa uno de los museos más significativos. Para 1974 su conservador en jefe de Arte Contemporáneo del Museo de Israel, era Yona Fischer, con su figura delgada, sus ojos vivaces y su frente despejada.
Emplacé allí esta escultura, de dos metros y medio de alto.

Jerusalem proudly holds one of the most significant museums. In 1974, the Curator of the Museum of Contemporary Art in Israel, was Yona Fischer with his slim figure, his lively eyes and his cleared face.
I placed there this sculpture, with a height of two and a half meters.

Reflexión Cósmica

Reflexión Cósmica -tal es el nombre de esta obra– fue realizada en 1989 y dentro de la serie implica un giro diferente. En este caso, la lámina original al contorsionarse no deriva en un conjunto simétrico sino en una forma con un poderoso dinamismo asimétrico que la emparenta con la libertad juvenil de mis primeras esculturas Madí. Esta forma, realizada como las otras en acero inoxidable pulido, estaba coronada por un gigantesco plato del mismo material pero cuyo pulido espejado reflejaba una esfera de superficie también espejada, que estaba situada al pie de la obra. A esta suerte de diálogo entre dos elementos espejados situados en el nacimiento y en la coronación de la obra se debe el título de la misma.

Cosmic Reflection -such is the name of this work- was erected in 1989 and involves a different twist in the series. In this case, the original sheet makes contortions not drifting into a symmetrical set but into a form with a powerful dynamism that takes me back to the youth and freedom of my first Madí sculptures. This sculpture, made like the others in polished stainless steel, was crowned by a giant plate of the same material whose polished mirror reflected an also mirrored sphere, which was located at the foot of the work. This was sort of dialogue between two elements mirrored at birth and at the coronation of the work, and therefore the name.

Muestra en el Planetario de Buenos Aires

Meses antes de 1980 organicé una exhibición de mi Ciudad Hidroespacial en el Planetario Galileo Galilei de Buenos Aires.

Tuvo para mí un sabor especial debido a las particulares características del edificio. Difícil resultaría imaginar una mayor identificación entre el contenido de lo expuesto y el carácter del espacio continente. No solo porque la función del edificio consistía precisamente en representar lo que ocurría en el cielo que se extendía sobre nuestras cabezas, sino por la original forma del edificio, debido a la brillante concepción de arquitectos del Ministerio de Obras Públicas. De hecho parecía como si las maquetas de los hábitats se encontraran suspendidas dentro de otra gigantesca maqueta de la misma, que se hubiera posado en el verde, junto a un lago de Palermo. También se conjugaba con el lago una Hidrocolumna que hice emplazar para la ocasión.

Recuerdo el especial compromiso que tuvo en la realización de la muestra el entonces director del Planetario, quien era un firme admirador de la propuesta.

Con los años, comencé a interesarme cada vez mas en la llegada de mi obra al público juvenil y recuerdo al respecto que uno de los mayores placeres que me deparó este despliegue de obras fue la de ver las bandadas de escolares que acudían a ver la ciudad como parte de visitas programadas por las autoridades del Planetario.

In 1979 I organized an exhibition of my Hydrospatial City at Galileo Galilei's Planetarium, in Buenos Aires.
It had a special flavour because the particular characteristics of the building. It's difficult to imagine a greater identification between the content of my work and the nature of the surrounding space. Not only because the function of the building was precisely to represent what was happening in the sky above our heads, but also because the original shape of the building, thanks to the brilliant design of architects from the Ministry of Public Works. In fact, it seemed as if the models of habitats were suspended in another gigantic model of the same, which was perched on the green, next to a lake in Palermo (complex of big parks in Buenos Aires). It was also combined with a Hydrocolumn I deployed for the occasion.
I remember the special commitment of the then director of the Planetarium, who was a strong admirer of the proposal.
Over the years, I began to become increasingly interested in the arrival of youth and I remember that one of the greatest pleasures I got from this display of works was to see numerous groups of schoolchildren who came to see the Hydrospatial City as part of scheduled visits by Planetarium's authorities.

El Faro de la Cultura

En 1982, el Centro de la Ingeniería de la Ciudad de La Plata me encomendó para conmemorar el centenario de la ciudad la erección de un monumento-fuente a emplazar en la rotonda central de uno de los accesos a la misma, en Avenida Antártida Argentina y Avenida 7. En esta oportunidad retomé el tema de la torre de acero luminosa como una suerte de arquetipo de la civilización –que ya había introducido diez años antes en la Torre de Agua Móvil– pero con mayores proporciones y repitiendo el tema central en escalas diferentes, en una suerte de polifonía visual. Al mismo tiempo, intentaba representar a La Plata como faro de irradiación política y cultural de la provincia bonaerense. Siguiendo esta línea, lo bauticé Faro de la Cultura.

La obra se inauguró con un acto oficial en el cual la Municipalidad de La Plata aceptó la donación de la obra. En ese mismo acto procedí a enterrar en la base de la obra un mensaje destinado a ser abierto en el año 2082, a los cien años del evento.

Dicho mensaje es un intento de resumir mi concepción de la vida y del arte e intentar la audacia de imaginar como será el mundo dentro de cien años, emitiendo un mensaje válido para ese momento.

In 1982, the Engineering Centre of La Plata asked me to commemorate the centennial of the city, with the erection of a monument-fountain in one of the parks at the accesses to it, at Argentina Av. and Antarctica Av. 7. On this occasion I brought back the topic of a steel tower light as a sort of archetype of civilization, which I had already introduced a decade earlier in the Torre de Agua Móvil (Moving Water Tower) but with greater proportions and repeating the theme in different scales, in a sort of visual polyphony. At the same time, trying to represent La Plata as a lighthouse of political irradiation and cultural life of the province. Therefore, the name: Faro de la Cultura (Lighthouse of Culture).

In the opening's official ceremony, in which La Plata's authorities accepted the donation of the work, we proceeded to bury on the basis of the work a message intended to be opened in the year 2082, one hundred years after the event.

That message was an attempt to summarize my outlook on life and art and the audacity to try to imagine how the world will be within the next one hundred years, trying to send a valid message for that moment.

Corazón Planetario

A mi regreso de Séul (donde fui a realizar una obra monumental con motivo de las olimpíadas de 1988) las autoridades de la Fundación Favaloro me manifestaron su deseo de contar en su recién inaugurada sede de la Av. Belgrano con una obra mía. Esta solicitud, que me apresuré a cumplimentar con agradecimiento, dio origen a Corazón Planetario.

La obra completada en 1990 fue emplazada en el frente del Edificio, sobre el atrio de acceso de la planta baja. En el 2005, con motivo del trigésimo aniversario de la Fundación Favaloro, escribí el siguiente texto:

La verdad de la obra “Corazón Planetario” no está en lo que representa, sino en la manera en que la representación se conduce y afirma.

He intentado crear un espacio envolvente y otro sugerido, con planchas de acero inoxidable a través de un amplio abrazo sentimental. En el tope de la obra se ven dos semiesferas pulidas a espejo del mismo material que reflejan un fragmento de la realidad circundante y que abarca el extremo finito de la imagen, al extremo infinito de la contemplación.

Como en todas las obras de mi autoría, esto implica una premeditación: anteproyectos, dibujos y maqueta a escala que fueron presentados previamente al doctor René G. Favaloro.

Por lo tanto, visualizar una presencia se distingue por su originalidad dentro de un contexto de múltiples ramificaciones. Finalmente estoy persuadido de que el arte es la moneda de lo absoluto.

Gracias, doctor Favaloro, por darme esta oportunidad de estar a orillas de la Fundación. ¡De todo corazón!

At my return from Seoul (where I went to make a monumental work during the 1988 Olympic Games) the authorities of the Favaloro Foundation expressed their desire to count with one of my works in their newly opened headquarters in Av. Belgrano. I hasten to fill this request with gratitude, giving birth to Planetarium Heart.

The work, completed in 1990, was located in front of the building, on the atrium of access on the ground floor. In 2005, on the occasion of the thirtieth anniversary of the Favaloro Foundation, I wrote the following:

The truth of "Heart Planetarium" it’s not in what it represents, but in how the representation is conducted and states.

I tried to create an enveloping space and another suggested, with stainless steel plates across a broad sentimental hug. At the top of the work there are two hemispheres polished to mirror, made of the same material, reflecting a fragment of the surrounding reality and covering the finite end of the picture, to the infinity edge of contemplation.
As in all of my works, this implies premeditation: blueprints, drawings and scale models which previously were presented to Dr. Rene G. Favaloro.
Therefore, to display a presence is distinguished by their originality within a context of multiple ramifications. Finally, I’m convinced that art is the currency of the absolute.
Thank you, Dr. Favaloro, for giving me this opportunity to be at the shore of the Foundation. From all my heart!

Monumento a la democracia

Juan Jacobo Bajarlía ha dicho, a propósito del Monumento a la Democracia, inaugurado en el 2000 y erigido en una plaza en Marcelo T. de Alvear y 9 de Julio:

Gyula Kosice lo concibió como un canto a la libertad, la paz y la solidaridad. Eso dicen, en su lenguaje mágico, los tres chorros de agua que emergen de la fuente monumental en su ambición de alcanzar la esfera de acero inoxidable que sostienen dos columnas que hurgan el cielo, apoyadas por otras dos que son otras tantas guardias que socorren a una esfera que conoce la expansión del futuro.

Esas columnas, dos brazos en alto que aferran la esfera del mundo para custodiarlo, son las ansias de un creador argentino, que también se aferró a la invención para darnos la primera vanguardia de América que iba a recorrer el mundo, como una esfera que llevaba el nombre de Madí. Y mirando bien el Monumento, su figura nos da la M, la letra inicial que anticipó el movimiento Madí y los sueños de Gyula Kosice.

Escultura monumental

Próximamente se erigirá en Bratislava la obra Júbilo para Eslovaquia. The work Jubilation for Slovakia will be soon erected in Bratislava.

Tríada - Fuente del Milenio

Hacia fines de 1999, recibí un encargo para la ciudad de Junín; se trataba de una donación que hacía un arquitecto a esa ciudad bonaerense, en la que había construido muchos edificios.

El Monumento se llamó Tríada – Fuente del Milenio y fue emplazado a principios de 2000 en un lugar singular de la ciudad, en la confluencia de dos avenidas, frente a un edificio en torre construido por el propio particular y que había pasado a ser el más alto de la ciudad.

Se trata de un conjunto que de algún modo retoma el concepto triádico de Victoria de Seúl, con tres robustas patas laminares de hormigón armado. No obstante, en este caso, dado que la obra iba a ser ejecutada por contratistas comunes y sin habérsenos encargado la dirección de obra, opté por una versión más simplificada de aquel concepto, sin el juego de torsión central que caracterizaba a Victoria. La altura final fue de siete metros, y también incluí elementos hidrocinéticos y lumínicos.

El monumento se ha convertido en un ícono juninense, siendo uno de los lugares preferidos para espectáculos artísticos al aire libre. Rodeada por la Torre San Martín, la moderna Plaza Fuerzas Armadas y el extremo del remodelado centro comercial de la calle Roque Sáenz Peña, forman un atractivo y vanguardista espacio urbano.

Homenaje a Punta del Este

En 1982 el estudio de los arquitectos Barañano y Blumstein me encomendó la realización de una obra para el flamante edificio El Torreón, que acababan de inaugurar en el balneario. La obra se llamó Esfera Cósmica. A ella siguió una obra de seis metros emplazada en una plazoleta de la Playa Brava, que se llamo Homenaje a Punta del Este y me dio la primera oportunidad de trabajar con hormigón armado.

Consistía en dos robustos arcos que partían de una base común al modo de un diapasón curvo. Entre ellos, a lo largo de un eje se enfrentaban dos semiesferas de plexiglás. El agua, que circulaba por tuberías dentro de los arcos de hormigón golpeaba en forma de chorros contra la concavidad de ambas formas enfrentadas cayendo en una fuente a los pies de la obra. La dualidad repetida en los arcos, las semiesferas y los chorros de agua aludía al beso en el espacio de la mansa y de la brava, que constituía la singularidad geográfica de Punta del Este.

Le Corbusier y el Poema Electrónico

Cuando terminé de colgar el auricular del teléfono para fijar mi entrevista con Le Corbusier, a mediados de 1958, presentí que nuestro encuentro sería áspero por el límite de tiempo que me otorgó. Presentimiento que se disipó cuando de entrada, al estrecharnos las manos, se hizo responsable de esa aspereza y de ese intervalo accidental que no contaba otorgar a nadie.

Le explico que me interesa sobremanera hacer una nota sobre su personalidad para el diario La Nación. Al oír esto me interrumpe asombrado: Usted debe de ser muy joven, pues todavía cree en los diarios.

Me guía por su casa-atelier, se detiene ante sus pinturas y sus esculturas policromadas (que a mi juicio no guardan la proporción con sus realizaciones arquitectónicas), y me subraya con vehemencia que en el fondo él se siente escultor.

Le menciono, en el transcurso de la charla, la primera y brillante concepción llevada a cabo al crear el objeto estético de uso, la escultura habitable: la iglesia de Ronchamps, y su extraordinario poema electrónico, el pabellón Phillips en la Exposición Universal de Bruselas. L’Architecture c’est une tornure d’esprit et non pas un métier, me dice, mientras me va mostrando una impresionante pila de fotos de sus trabajos, que van desde el arquitecto y el plástico hasta el lúcido escritor.

Dos semanas después viajo a Bruselas, que preside el imponente Atonium. Entre las ochocientas personas estoy yo dentro del Poema Electrónico o Poema sin palabras. La música es de Edgar Varèse y de un nuevo método electroacústico, sale del suelo y rebota contra las paredes envolviendo el público fascinado.

A Le Corbusier, renovador del hábitat humano le debemos nuestra gratitud, y a todos sus colaboradores incardinados en la idea, su maravillosa cristalización.